第十一话

 第十二话

 第十三话

 第十四话

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 第二十话

第一话

 第二话

 第三话

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第十话

第十一话

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第十六话

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上集

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第一话

 第二话

 第三话

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 第五话

第六话 第七话

 第八话

 第九话

 第十话

故事发生在2006年的东京，本作的女主角绀野真琴，是一个17岁的女子高中生。拥有从“现在”回到过去的穿越时空能力，一旦使用这个能力，生活中的的不满将不再困扰她，喜欢的东西可以有多少要多少，讨厌的东西就速速地扔进垃圾筒。她本应该过着快乐的每一天……可是……

绀野真琴本来是原作中不存在的人物，也是电影中的原创人物。他的姑母，古板的令人难以理解的单身女性才是原作的主人公。至于为什么舍弃姑母凭空杜撰出一个女子高中生主角来，谁都明白个中道理吧！

之前很多人冲着筒井康隆的原作和贞本义行的人设而关注这部动画电影。作为投资方角川书店的旗下作品，为了完善电影的推广，在4月26日发售的《月刊少年ACE》6月号杂志上，推出了由新锐漫画家琴音兰丸负责创作的漫画版《穿越时空的少女》，可惜漫画版虽然同样在角川旗下杂志刊载，却没能由贞本义行亲自操刀。

不过相对的，角川书店在5月25日发售了新装版《穿越时空的少女》原作小说，新装版特地采用了贞本义行绘制的封面和插画，让这部神作在40年后重现光辉。

由于是著名小说家筒井康隆名作的首次动画化，由于聘请了大人气漫画家贞本义行担任登场人物设定，在今夏公映的动画电影《穿越时空的少女》已经成了夏季档票房鏖战中的一匹黑马。仅仅36天的时间，累计票房就已经突破了一亿日元，如此好成绩也让制作方笑得合不拢嘴。于是主要制作方角川方面开始了新的攻势，一方面宣布将扩大上映规模，加多影院数量，另一封面则趁热打铁地发售了《穿越时空的少女NOTE BOOK》。这本书堪称是“穿越时空的少女”这个世界的旅游指南，除了有故事介绍、设定资料以外，还有对众多制作人员的采访、会谈等原创企划，绝对是精彩满载的一册。

17岁的绀野真琴（仲里依纱配音）是某高中2年级的学生，不是所谓的淑女型少女。她并不喜欢和女同学整日绞在一起唧唧哇哇，而是喜欢和同班最要好的两名男同学马津田功介（板仓光隆配音）和间宫千昭（石田卓也配音）飞奔在棒球场上。

一天 放学后，真琴在化学实验室意外地获得了能够穿越时空的能力，真琴对所发生的一切感到很迷茫，她并不知道自己获得了如此神奇的能力。回家后，她将所发生的事情告诉了姑妈芳山和子（原沙知绘配音，注：芳山和子是23年前真人版中的主角，20年前也拥有过这样的能力。）芳山和子教给迷惑中的真琴如何使用这种神奇的力量，并让真琴知道了拥有这种能力并不是什么坏事，没什么好紧张的。“真是这样，也不错，可以让不开心的事情成为过去，想怎样就能怎样，这多开心啊。”

真琴暗自捉摸。从此以后，真琴的生活果真发生了非常大的改变，学习成绩也突飞猛进地提高着，这让所有的人都感到不可思议。

真琴伴着开心的日子走入了高三生活，真琴和功介，千昭都面临着对未来的选择，他们的生活发生了微妙的变化。这个年龄的他们进入了一个玫瑰般的季节，校园中开始漂荡起爱情的美妙音符。一天，原本的哥们千昭竟突然向真琴表达了好感，措手不及的真琴一时不知如何处理这件事情，面红耳赤的她感到非常狼狈。为了摆脱这样的烦恼，她用特异功能改变了这一切，迫使自己忘掉所发生的事情。尽管她改变了历史，可是真的能忘掉这一切吗？此后，千昭和友梨（垣内彩未配音）；功介和果穗（谷村美月配音）开始了交往。为了3个人的友谊，为了他们的爱情开花结果，真琴来回穿梭于时空隧道，她的爱情会回来吗?

在原作小说发表以来已有40年，经过电视剧、电影等形式的改编，这个关于时代的故事迄今为止已经被6度映像化，这就是以女高中生为主角的筒井康隆的名作《穿越时空的少女》。第一次被动画化，现在公映中的《穿越时空的少女》，日前宣布将入围自10月6日在西班牙举办的第39届锡切斯国际电影节动画（ANIMA'T）部门，以正式展出作品的名义参加评选。

锡切斯电影节，是对娱乐性和作者性兼备的空想作品较为重视，历史悠久的国际电影节，过去日本的《妖怪大战争》、《蒸汽男孩》、《最终幻想VII降临之子》等作品都有参展。今年会期到10月15日，各奖的结果将在最后一天发表。

细田守监督对此表示“非常高兴。这部作品我认为是那种超越国境和人种，谁看都能享受乐趣的娱乐作品，这可能也是获得参展资格的因素。海外观众的反应，从现在开始我将非常关注这个。”

原作者筒井康隆则表示“这就如同我有个可爱的女儿第一次去海外旅行的心情。希望把握这个机会努力获得1等奖。”

畅谈《穿越时空的少女》声优经历

因为身为瑞典人的祖父非常喜欢名画“蒙娜丽莎”，所以为自己可爱的孙女命名为“依纱”。这个皮肤白皙有着欧洲血统的女孩子，到初中之前都在长崎很快乐的成长。父母经营服装和衣料店，从年幼的时候开始对流行文化有兴趣。经过杂志的读者模特等活动经历后，很快了解到从事戏剧表演的快乐。现在她来到了首都，是东京都内某校私立高中的2年生。不过，今年将有一个“重大使命”围绕着她，她就是美貌年轻的女优·仲里依纱。

“对于首次担任声优，我觉得自己绝对不合格，落在别人的后面。我的声线比较低，其实对这点我也很讨厌哟。”

筒井康隆原作的《穿越时空的少女》，1965年发表以来，电视、电影好多次被改编映像化，不过推出动画电影尚属首次，而仲里依纱就是负责为女主角·绀野真琴配音。

共有超过500人以上的人员参加了今年2月的声优选拔活动，朗读剧本的对仲里依纱来说并不简单“作品中有个同学角色间宫千昭的‘昭’字，我不会读，问朋友大家也不清楚，我一着急便读成了‘Chihiro’。如果在选拔的时候也是那样的话会被监督(细田守)大笑的…”，应该说仲里依纱给予了选拔人员强烈的印象。

作品中真琴是在东京下町高中就读的2年生，迄今为止给人留下了优等生美少女这个印象，不过，在此次的动画电影中，真琴变成了喜欢投接球练习的、活力四溢的积极少女这样的设定，剧中的台词也有诸如“相信运气，不过也要相信直觉”这样的女孩子。

STAFF:

　　制作总指挥：角川历彦

　　原作：筒井康隆（角川文库刊）

　　脚本：渡边隆史／斋藤优一郎

　　脚本：奥寺佐渡子

　　音乐：吉田洁

　　角色设定：贞本义行

　　作画监督：青山浩行／久保田誓／石浜真史

　　美术：山本二三

　　色彩设计：镰田千贺子

　　撮影：富田佳宏

　　动画制作：MAD HOUSE

　　配给：角川ヘラルド映画株式会社

CAST:

　　绀野真琴：仲里衣纱

　　间宫千昭：石田卓也

　　津田功介：板仓光隆

　　芳山和子：原沙知绘

　　绀野美雪：关户优希

　　藤谷果穗：谷村美月

　　早川友梨：垣内彩未

　　野分折美：松冈そのか

　　上杉盛子：横张しほり

　　真琴の父：桂歌若

　　真琴の母：安藤みどり

　　老守卫：中村正

　　福岛先生：立木文彦

　　高濑宗次郎：松田洋治

　　加藤：反田孝幸

　　铃木：杉山翔哉

　　山田：千叶富士夫

　　田中：高山哲平

主题曲 石榴石

运动场上不断奔跑着的你的身影

比天边的浮云还要自由

于是就连笔记本上的方块字

似乎也变得闪亮起来

对于"喜欢"这种情感 我一直懵懵懂懂

但这段无法倒退的时光

却教会了我它的含义

想要将与你一同度过的每一天 都深深地锩刻在心田

这样就算是一时忘记了也不要紧

即使将来有一天自己喜欢上了其他的人

你始终占据着我内心最特别最重要的一角

与你一同度过的这个季节 又要来到了

初次与你聊天的那段放学时光

自己学会了从不曾有过的笑容

听到你欢笑的声音远远传来

为何我的心会隐隐作痛

曾经的自己 是如此害怕改变

还以为我们可以永远都是朋友

以为世上的事物永远不会结束

能在无尽的时间洪流中与你相遇这件事

比任何事都更令我坚强

即使挣扎着走到了梦中的未来

你始终占据着我内心最特别最重要的一角

与你一同度过的这个季节 一定还会再次来到

你跟我说 你永远也不会忘记这个夏天

时光流逝 这一刻任眼泪从我脸上滑落

想要将与你一同度过的每一天 都深深地镌刻在心田

这样就算是一时忘记了也不要紧

即使将来有一天自己喜欢上了其他的人

你始终占据这我内心最特别最重要的一角

与你一同度过的这个季节 又要来到了

插曲 不变的永远

一路嬉闹走在回家的路上

无缘无故地惹你发脾气

只想看看你各种各样的表情

你泪光闪烁的眼眸

你带着哭腔的呼唤

如今依然令我的心为之纠结

在川流不息的人海之中

我追逐着你的身影

一直在寻找不变的事物

不会忘记与你的那一天

怀着这穿越时空的思念

好想现在就与你相见

路灯上镶嵌着我的思念

我却一直没能向你倾诉

夜色让我们相隔得越来越远

在懵懂不知的时候

我曾经说过的谎言

如今依然回响在我的心胸里

在彷徨不前的时空之中

不知不觉与你相恋

一直在寻找不变的事物

如果我能与你相伴而行

去向那天曾发现的地点

我甘愿一次次为你改变

也曾拥有过无形的幸福

却没能察觉到它的碎裂

与你走过的那条小路上

今夜灯光依旧 恍如昨天

一直在寻找不变的事物

不会忘记与你的那一天

怀着这穿越时空的思念

好想现在就与你相见

好想现在就与你相见 

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好心情 的 让你见识动漫MM的恐怖

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据 网易新闻 报道： 二炮专家警告:美迫使中国进行太空军备竞赛

　　核心提示：第二炮兵指挥学院的武天富在书中写道：“外太空的战略对抗势难避免。在外太空力量的开发中，有迹象显示抢占战略制高点的太空军备竞赛正在出现。”“可以说，外太空的武器化……已经不可阻挡。”查看全文>>

我对这条新闻的看法是：

据 网易新闻 报道： 美国防部长：中国洲际弹道导弹显然是用于进攻

　　核心提示：美联社6月1日报道说，中国国防部官员表示，中国的洲际弹道导弹只是用来防卫。但美国国防部长盖茨对此有异议，盖茨说，中国的洲际导弹也许被视作是对其他国家的威慑，中国洲际弹道导弹库“显然是用于进攻的”。查看全文>>

我对这条新闻的看法是：

引用

无泪猎人 的 卡通的出现与早期发展及对比

 

 如果想了解什么是卡通，那么就不妨先从〝卡通〞这个词的由来讲起。

 卡通，是英语〝cartoon〞的汉语音译。对于这个词的词源，有两种不同说法：其一是说它来自法语中的〝carton〞（图画）；其二是说它源自意大利语中的〝cartone〞（纸板）。

 从卡通的词源上，我们就能够确切的获知，卡通作为一种艺术形式最早起源于欧洲。而在近代欧洲，有两个促使卡通出现的重要历史条件：首先，资本主义萌芽的发展，壮大了市民阶层的力量，导致社会结构的重大变化。其次，自文艺复兴运动以来，自由开放的艺术理念开始为社会所接受。这两个条件的相互作用，使得传统绘画走下了中世纪的神坛，日益接近平民的审美趋向，给以简御繁的卡通画提供了产生的社会基础。同时，作为市民阶层表达自身要求的手段，卡通画也被赋予了更为广泛的政治内涵。

 在十七世纪的荷兰，画家的笔下首次出现了含卡通夸张意味的素描图轴。而以法国人奥诺雷-杜米埃（1808～1879）为代表的讽刺漫画家，更是将政治卡通发展到了艺术的高度。时至今日，政治卡通依然是西方大众文化的重要组成部分。

 在卡通艺术的发展史上，英国扮演了一个相当重要的角色。众所周知，英国是最早建立现代议会民主政治的国家，同时也是最早进入产业革命的国家之一。民主政治的确立，保证了人民言论和出版的自由，为卡通艺术的发展提供了社会基础；产业革命的兴起，引发了报刊出版业的繁荣，为卡通艺术的发展提供了物质保证。

 早在17世纪末，英国的报刊上就已经出现了许多类似卡通的幽默插图，但是由于缺乏专职画家和固定的艺术风格，因此还算不上真正的卡通画。随着报刊出版业的繁荣，到了18世纪初，出现了专职卡通画家，英国卡通的风格也逐渐定型。与同时期欧洲大陆的幽默讽刺画相比，英国的卡通画较多的取材于社会风情，以幽默含蓄见长。

 这一时期，比较有影响的卡通画家包括威廉姆-霍格斯（1697～1764）、詹姆斯-吉尔雷（1757～1816）和托马斯-罗兰森（1756～1827）。这其中，霍格斯的代表作有《浪子回头》和《哈洛特漫游记》等，罗兰森则主要是创作了《辛塔克斯大夫一生的旅行》。值得一提的是，霍格斯等人的作品已经不再是传统的单幅画，而是发展成为了彼此关联的系列画，具备了连环画的雏形。

  1841年，著名的《笨拙》（Punch）画报在伦敦创刊。这本著名的谐趣性期刊，在卡通发展史上占据着显著的地位。事实上，正是这个刊物的供稿人、著名画家约翰-里奇和编辑马克-吕蒙首次将幽默讽刺画正式命名为〝卡通〞。同时，这本刊物也是传统的卡通画向连环画过渡的重要桥梁。在早期的《笨拙》画报上，就已经连载了许多与连环画的概念相近的作品。而约翰-里奇绘制的《布瑞克先生历险记》，更是具备了众多连环画的构成要素。

 十九世纪末，彩色印刷术的出现引发了出版业的一场革命。相应的，彩色漫画开始出现在人们的视野中。

  1901年，著名出版商哈姆士-沃思，在并购了几家杂志的基础上，成立了联合出版公司（简称〝AP〞），先后出版了《小精灵》、《水泡》、《微笑》、《彩虹》、《老虎提姆》周刊和《丛林狂欢》等漫画刊物。另一位出版商亨德森，也推出了《乐趣无穷》（1906）、《漫画天地》（1909）、《精思妙语》（1910）和《火花》（1918）等杂志。其它如〝特莱普斯和霍姆士〞公司出版的《烟火》和皮尔逊出版的《大汇刊》等，都不同程度的介入了彩色漫画的出版与发行。这一时期，英国漫画期刊一个重要的变化，就是刊物的读者定位由成年人逐渐转向儿童和青少年。而AP公司是这个趋势最大的受益者，他们成功的推出了〝老虎提姆〞的卡通形象，使其一跃成为孩子们钟爱的卡通明星。它的姊妹作《熊娃娃》也取得了不俗的销售业绩。另外，《老虎提姆》的作者之一福克斯-韦尔还创作了《小虎吉莉》和《河马小姐》等少女漫画作品。

 与政治卡通和漫画相比，动画片的发展历程似乎更富有传奇色彩。如前所述，动画艺术是现代影视艺术的重要组成部分。然而，在动画和电影的〝史前阶段〞，两者却是合而为一的。直到摄影术发明之后，电影和动画才开始分道扬镳。

  1895年，法国的卢米埃尔兄弟最先向公众展示了他们的〝电影机〞，并放映了《火车进站》、《海水苑》等影片。现代电影就此诞生。而第一部动画电影却是在十年后才得以问世。其中的部分原因是由于动画片高昂的制作成本。时至今日，动画片依然是需要高投入的文化产品。

  1906年，在爱迪生实验室工作的布雷克顿（J.Stuart Blackton）制作了《滑稽脸的幽默相》（The Humorous phases of Funny Faces），这也是世界上第一部动画影片。此后，来自法国的埃米尔-科尔（Emile Cohl）进一步发展了动画片的拍摄技巧，并且先后制作了250余部动画短片。同时，他也是第一个利用遮幕摄影的方法，将动画和真人表现结合起来的先驱者。正是因为科尔对于动画片发展的杰出贡献，他也被奉为当代动画片之父。

 另一位对早期动画发展产生重要影响的是美国人温瑟-麦凯。他出生在美国的密西根州，早年曾经靠给马戏团、通俗剧团画海报为生，后来成为了报社记者和漫画专栏画家。1914年，麦凯推出了一部剧情动画片《恐龙葛蒂》（Gertie the Dinosaur）。这部动画片的推出，改变了此前在动画作品中的纯艺术倾向，把故事、角色和真人表演等组织成为互动式的情节，取得了相当好的效果。而憨态可掬的恐龙葛蒂，更是成为了名噪一时的卡通明星。继《恐龙葛蒂》之后，麦凯又制作了《露斯坦尼亚号之沉没》。这是第一部以动画方式制作的纪录片。

 温瑟-麦凯的成功是具有象征意义的。他以自己作为漫画家的修养和积累，开创了一种重视角色的塑造、故事结构和通俗趣味的新型动画创作模式。在麦凯之后，美国的动画家们开始走上了一条与他们的欧洲同行截然不同的道路。一个属于新大陆的卡通时代就要到来了。

 黄金时代的卡通帝国

 在二十世纪上半叶，美国卡通艺术的发展水平居于世界的领先地位。而毋庸置疑的是，这种领先是全方位的。

 早在1840年，波士顿的DC约翰斯顿公司就发行了名为《克赖斯帕》的单页画报，这可能是最早出现在美国的卡通作品了。此后，随着欧洲移民的不断涌入，原本流行于欧洲的卡通艺术也开始登陆美国。

  1880年，美国报业大亨普利策在他的《纽约世界》报上增设星期日特刊，并在其中增加了卡通专栏。此后不久，另一位报业巨头赫斯特也开始在自己旗下的《纽约杂志》和《美国幽默大师》等刊物上定期发表卡通作品。这意味着卡通作品在增加报刊发行量上的作用，已经得到了广泛的认可。而上述两大报系的强力介入，无疑是给还处在幼年期的美国卡通注射了一针助长剂，自此美国卡通的发展驶进了快车道。

  1895年，著名漫画家奥特考特（R.F.Outcault）创作的系列漫画《黄孩子》（Yellow Kid）开始在普利策创办的《纽约世界》（New York World）上发表。但不久之后，奥特考特带着〝黄孩子〞一起跳槽到了赫斯特旗下的《纽约杂志》（New York Journal）。《黄孩子》系列最初的名称是〝Hogan’s Alley〞，故事的主人公是一个年纪在六、七岁，身着脏睡衣大脑袋，名叫〝Mickey Dugan〞的小孩儿。其实，这件睡衣在开始的时候是蓝色的。到了1896年，由于一项新技术的应用使人们能够轻易的将纸染成黄色，Dugan也就此换上了黄衣。后来，奥特考特又在漫画里加上故事主人公的对白，使大家更容易理解故事主题。这也使得《黄孩子》成为了名副其实的连环画。由于〝黄孩子〞的形象已经深入人心，精明的商人们便以这个形象为基础，开发了大量有关〝黄孩子〞的周边产品，其中包括玩具、塑像、广告招贴等。尽管〝黄孩子〞也经历了许多的波折，但是在它首次面世后的第七年，即1902年，《黄孩子》系列终于出版了单行本。应该指出的是，《黄孩子》的成功不但促进了美国卡通漫画的发展，而且为漫画作品的商业运作提供了经典范式。

 在整个二十世纪初， 卡通漫画始终在寻找与美国文化的交汇点。在这个过程中，产生了许多优秀的作品和令人难忘的卡通形象。不过，直到三十年代初，美国卡通漫画的黄金时代才真的来临。

 对于〝黄金时代〞，有这样一个精辟的描述：美国漫画的黄金时代就是超级英雄在廉价画报上横行的时代。众所周知的，诸如超人（SUPER MAN）、蝙蝠侠（BATMAN）、闪电侠（FLASH）、潜水侠（AQUA MAN）等众多的超级英雄形象都产生在这个时期。这些超级英雄的共同特点就是拥有健美运动员般的身材，常人无法具备的超能力，不断打倒邪恶又强悍的敌人，拯救世界。而其中最具代表性和持续影响力的，恐怕就要算是超人和蝙蝠侠了。

《超人》的主角是一个来自氪星球、具有超能力的外星人克拉克。在他还是一个婴儿的时候，便乘坐太空船从氪星来到地球，并被善良的肯特夫妇收养。长大后，他开始发现自己拥有地球人不具备的超能力。为了掩饰身份，克拉克从偏僻的小镇来到了大都市，并在《星球日报》担任编辑，从而结识了年轻貌美的女记者露易斯。从此以后，每当城市的安全和秩序受到恶势力的威胁时，总会有一个披着斗篷、身着紧身衣的飞天英雄及时显身，拯救那些陷入危机中的人们。不过，大多数情况下，超人的主要任务都是英雄救美。

《超人》系列最先在《动作漫画》（ACTION COMICS）第一期上发表，并迅速风靡全美。1939年1月16日，《超人》开始在报纸上连载。到1941年，已经有超过三百种报纸每日连载《超人》漫画。而以〝超人〞为主题的动画片、电影和电视剧，更是在此后的半个世纪中层出不穷。毫不夸张地说，〝超人〞已经成为了一个时代的标志。

 几乎是在超人取得成功的同时，〝黄金时代〞的另一位超级英雄蝙蝠侠也走入了人们的视野当中。

 蝙蝠侠原名叫做昆布西，出身于一个显赫的富豪家庭。在他很小的时候，父母被歹徒所杀，因而变成孤儿，由管家抚养长大。长大后，他发誓为铲除罪恶而战。于是，他便成为了身着蝙蝠装的蒙面豪侠。除暴安良，制裁法律的漏网者成了他最重要的使命。

 蝙蝠侠的故事最早出现在《侦探漫画》（DETECTIVE COMICS）的第二十七期上。与超人相比，蝙蝠侠是一个没有超能力的普通人，这也正是他的魅力所在。而蝙蝠侠用于对抗邪恶的主要工具是各式各样的科技发明，其中最为著名的就是那辆万能蝙蝠车。

 在黄金时代的众多超级英雄中，神奇女侠（WONDER WOMAN）可以说是一个〝另〞。这不仅仅是因为它打破了此前男性对于超级英雄形象的垄断，更为重要的是，她的出现彻底重构卡通世界中两性秩序，使得女性角色不再只是男英雄们的附庸，而真正成为主宰故事的主角。因此，当〝神奇女侠〞系列于1941年底在《全明星漫画》（ALL STAR COMICS）上推出后不久，便受到了众多女性读者的热烈欢迎。

 漫画英雄的出现绝非偶然。事实上，它是漫画艺术与美国文化碰撞的必然结果。美国文化的核心就是所谓的〝个人主义〞。这是一种以崇尚个人奋斗和强调优先保护个人利益为要旨的文化。出于这种文化背景，特别是在三十年代的大萧条和二次大战给美国社会带来剧烈冲击的情况下，人们欣赏和渴望〝救世主〞式的超级英雄，将他们看作是希望和力量的象征。因为在现实世界中找不到这样的人物，于是人们便转而在杜撰的世界中寻求精神寄托。

 在第二次世界大战期间，美国的社会经济不但没有被战争拖垮，反而获得了空前的发展和壮大。由于战争而激发出来的爱国主义成为了当时美国文化的主流。于是乎，漫画中的超级英雄们也纷纷投入了保卫国家、反对纳粹的战斗中。〝黄金时代〞也迈向了巅峰。

 随着卡通漫画在美国社会中的影响力日趋增强，美国漫画的发展也逐步走向了多元化，出现了教育漫画、科学漫画、西部漫画等新题材。与此同时，一味的追求利润最大化的商业炒作，使得美国漫画中的暴力、色情等不良因素激增，有的漫画出版物甚至赫然标明〝儿童不宜〞。由此，漫画业成为公众和舆论抨击的焦点，并最终导致了〝黄金时代〞的没落。

  1945年春，弗雷德里克-魏斯曼博士的《引诱无辜》一书出版。魏斯曼博士是一位在当时的社会上相当有影响的知识分子，同时也是政界的知名人士。他始终坚信〝充斥着暴力和阴暗内容的漫画，是助长青少年犯罪和社会混乱的根源〞。虽然事后的调查表明，魏斯曼博士的绝大部分论断都是缺乏事实根据的，但这本书的出版恰恰迎合了当时主流舆论对漫画业的广泛批评，因此立即得到了各界的支持和肯定。一时间，漫画成为了超级禁书，人们时常用谈论毒品的口吻来谈论漫画。

  1954年4月，美国联邦参议院青少年犯罪调查委员会针对漫画对青少年的影响问题举行公开听证会，魏斯曼博士以证人的身份出席。他声称：漫画是玷污儿童纯真，引发少年犯罪的罪魁祸首，相对于漫画而言希特勒只是小儿科。〝孩子们往往从四岁开始，就遭受到漫画的毒害。〞他甚至要求马上禁止漫画的出售。

 虽然，这次听证会没有能够形成一个明确的结论，但是参议院最终还是要求颁发一个检查标准，杜绝漫画中一切可能毒害青少年和败坏道德的内容。这其实就是在舆论上宣判了〝黄金时代〞的死刑。在参议院听证会后不久，漫画出版商们在1954年10月26日成立了〝美国国内漫画杂志联合会〞，并制定了〝联合会内部检查标准〞，还要求在此后出版的漫画封面上明确标明限制等级。

 这无疑是一个对美国漫画业具有深远影响的事件。由于这个多少有些矫枉过正的标准，此前畅销的恐怖、警匪类漫画几乎绝迹；西部漫画中的牛仔们也不得不大幅收敛，肉搏和枪战的场面明显减少；甚至于搞笑动物漫画里的〝暴力〞举动也变得畏首畏尾。许多出版社和漫画刊物因为发行量的急剧下跌而破产，大多数职业漫画家迫于生计压力也不得不转行。当然，像《美国上尉》的作者乔-西蒙这类少女漫画作家，也因为超级英雄的缺席而一度走红。不过，从整体上看，美国漫画业还是因此而元气大伤，虽然日后有所恢复，但终究还是没能重振昔日雄风。

 与美国漫画业一波三折的发展历程相比，同时期的美国动画业却始终保持着强劲的发展势头。而要回顾这段历史，就不能不提到沃尔特-迪斯尼和他的迪斯尼公司。

 事实上，在沃尔特-迪斯尼之前，美国已经拥有了不少杰出的动画家，但是作为后来者的沃尔特却是真正促使美国动画业走向飞跃的人。因此，我们有足够理由认为〝沃尔特-迪斯尼是动画史上的第一位大师〞。

  1923年，年仅22岁的沃尔特-迪斯尼告别了故乡堪萨斯，动身前往好莱坞寻求发展。那时的好莱坞是一片创业的热土，而此时的电影仍处在默片阶段，至于动画片也只不过是摆在电影开演前的助兴节目而已。在那里，他白手起家，以仅有的3200美元注册成立了〝迪斯尼兄弟动画制作公司〞。在沃尔特来到好莱坞的这一年，他完成了自己的第一部动画作品——由真人和动画人物合演的无声动画片《爱丽丝在卡通国》。

 在好莱坞的最初几年中，迪斯尼和他的公司渐渐的站稳了脚跟，但是在1927年沃尔特遭受了他事业上的第一个沉重的打击。这年，他创作的第一个广受欢迎的卡通人物〝幸运兔奥斯华〞被发行公司用欺骗的手段夺走，公司因此几乎陷入绝境。恼火而无奈的迪斯尼踏上了返回故乡堪萨斯的列车。然而，正是在这次返乡的旅途中，沃尔特的头脑中出现了一只活泼可爱的小老鼠。后来，沃尔特的夫人给这个崭新的卡通形象取了个响亮的名字〝Mickey Mouse〞！这就是日后享誉世界，为各个国家的儿童所喜爱的卡通明星——米老鼠。

 米老鼠的出现，固然为迪斯尼公司提供了一笔巨大的无形资产。然而，要使米奇和他的伙伴们成为人见人爱的超级明星，迪斯尼公司还必须有新颖的制作理念。而新理念的核心就是重视剧情的设计和不断创新。

 在迪斯尼之前，动画片作为普通电影放映前的垫场节目，往往只看重视觉效果而不太注意故事情节的安排。迪斯尼的米老鼠系列则反其道而行之，在制作的初期就对作品的情节进行周密的安排，让短短七八分钟的小片子变得非常引人入胜，再加上制作精良的画面，迪斯尼的动画片一下子就甩掉了几乎所有的竞争对手。

 除了先进的创作理念，对创新的敏感是迪斯尼的另一张王牌。20年代中后期，电影告别了默片时代，有声电影的出现引发了整个电影业的革命。沃尔特敏锐的察觉到了变革的来临，开始尝试制作有声动画片。1928年11月18日，作为电影史上的第一部音画同步的有声动画片，《汽船威利号》在纽约市的殖民大戏院隆重首映，并取得成功。到了1932年，迪斯尼又推出了第一部彩色动画片《花与树》（Flowers and Tree）。除了预料之中的轰动之外，它也为迪斯尼赢得了奥斯卡动画短片奖。五年后，即1937年，迪斯尼耗费数年时间精心打造的第一部全动画卡通剧情片《白雪公主》（Snow White and the Seven Dwarfs）上映。这是一部划时代的动画片，具有里程碑的意义。而且因为这部作品所取得的巨大商业成功，使得迪斯尼的制作计划开始向长片倾斜。紧接着，在1940年里，迪斯尼公司连续推出了《木偶奇遇记》和《幻想曲》两部动画长片。其中，《幻想曲》更是被视为现代动画片的经典之作，推出伊始便获得了广泛赞誉。在不断推出新作的同时，迪斯尼的卡通明星阵容也不断扩充，除了米老鼠之外，米妮（Minnie）、布鲁托（Pluto）、高菲（Goofy）和唐老鸭（Donald Duck）等新形象也陆续出现在了迪斯尼的动画片中。伴随着不断涌现的优秀作品和卡通明星，迪斯尼公司终于在40年代初确立了它在卡通帝国中的霸主地位。

 对于整个美国动画业而言，迪斯尼的成功具有巨大的示范和推动作用。由于动画市场的扩展，许多新动画公司如雨后春笋般纷纷成立，此时的好莱坞已经是全美、乃至全世界动画业的中心了。凡·伯伦制片厂（Van Beuren Studio）就是这些新动画公司中的一员，在他的旗下同样聚集了一批优秀的青年动画家。在30年代后期，这家公司推出了著名的系列动画片《汤姆猫和杰瑞老鼠》（Tom and Jerry），并获得成功。另一家有影响的动画制作机构是华纳制片公司在1934年创立的动画部，主要作品包括：《猪豆子》(Porky and Beans)、《达菲鸭》（Daffy Duck）、《邦尼兔》（Bugs Bunny）等系列动画片。与迪斯尼的米老鼠一样，它们也都是尽人皆知的卡通明星。

 然而，在迪斯尼辉煌的成功里，危机也在悄然孕育着。成立之初的迪斯尼公司，以艺术和创造为信条网罗了大批一流的动画人才。但是，随着公司的不断发展壮大，迪斯尼的艺术风格也逐渐趋于固定，迎合观众和市场的需求成为了节目制作的基础和前提。更重要的是，迪斯尼的员工越来越感到，公司的繁荣并没有给他们带来预期的收入增长，不满情绪开始在迪斯尼的内部蔓延。到了四十年代初，迪斯尼公司属下的动画家们开始筹备成立工会，希望以此来与公司高层对抗，争取提高报酬。可是，高层的态度似乎要比想象中的更为强硬，由此也引发了一场旷日持久的〝口水战〞。最终，许多公司的业务骨干负气出走，并合伙成立了〝美国联合制片公司〞（United Productions of America，简称UPA）。

 虽然经历了许多波折，但是沃尔特-迪斯尼和他的公司依然是那个时代无可辩驳的成功者。今天的迪斯尼已经成为了世界性的〝娱乐王国〞，这也从另一个角度上证明了沃尔特的理想和成功是超越时代的。

 总而言之，在这一时期，无论是美国的漫画业还是动画业，都取得了长足的发展。值得注意的是，在这个发展过程中，围绕着卡通产品，美国的娱乐产业形成了一套完整的商业运作体系，实现了卡通自身发展的良性循环。而〝美式卡通〞也正是以此为基础，才得以实现它在全球范围内的扩展，成为了一股不容小视的文化力量。

 新浪潮的勃兴在二战前后，虽然欧美卡通产品依然占据着世界卡通市场的主流，但是由于经济社会和大众文化的变革，卡通艺术在全球范围内的发展，也呈现出前所未有的全方位、多元化的发展态势。无可否认的是，一股卡通业的新浪潮正在兴起，并将席卷全世界。

 就在美国卡通走上商业化道路的同时，欧洲的漫画家和动画家们似乎依然在坚守着他们固有的艺术理念。但即使如此，这一时期的欧洲卡通也绝不乏经典之作。

 在德国，这一时期出现了一位具有世界影响的漫画大师埃-奥-卜劳恩。卜劳恩的原名叫做埃里西-奥塞尔，出生在德国萨克森州的一个偏僻小镇。后来由于工作变动的缘故，埃里西的父亲携全家移居到福格兰特山区的首府卜劳恩市。而埃里西之所以会用〝卜劳恩〞作为自己的笔名，也是出于对这座城市的怀念。在1921年到1933年期间，埃里西以画家的身份发表了大量的卡通画，还为他的挚友、作家埃里西-卡斯特纳的许多作品画过插图。然而，随着纳粹党的上台，德国的社会政治气候迅速右转。因为不满纳粹党的倒行逆施，埃里西创作了一些以纳粹党为讽刺对象的漫画作品，结果招来了纳粹头子约瑟-戈培等人的忌恨。埃里西的漫画作品一度被查禁。

 后来，因为当时的《柏林画报》需要一位能够画连载漫画的画家，负责此事的著名作家、出版家和编辑库尔特-库森贝格博士便找到了埃里西-奥塞尔，希望能够由他来承担这项工作。最终，由于《柏林画报》的积极周旋，纳粹当局解除了对埃里西的禁令，但却附加了一系列苛刻的审查条件，并且绝对禁止他的作品中出现任何与政治有关的内容。

 尽管如此，埃里西还是在1934年到1937年期间先后完成了200多套作品，这也就是著名的《父与子》系列漫画。在法西斯横行的岁月里，这套漫画作品宛如人性的绿洲，成为德国人民面对残酷现实生活时最好的心灵慰籍，因而赢得了许多人的喜爱。《父与子》被誉为德国幽默的象征，其声望很快就跨出了国界。

  1929年，比利时漫画家埃尔热开始创作《丁丁历险记》系列。从那时起直到1983年3月埃尔热逝世为止，《丁丁历险记》先后完成了二十余卷。1986年，作为埃尔热生前未能完成的最后一部作品《丁丁和阿尔法艺术》出版，丁丁系列就此完结。评论界普遍认为，丁丁系列的成功应该归结为作者对于将故事主线和真实背景有机结合的充分重视，因此埃尔热也被称为是〝漫画新闻记者〞。不管怎样，由于融合了纪实风格和幽默风趣的创作元素，丁丁系列成为了漫画史上最杰出的作品之一，埃尔热也因此而步入了漫画大师的行列。

 就在美国的动画家们尽情享受〝黄金时代〞的时候，欧洲的动画家们却依然执著于试验与艺术化的道路。这从两者对于同步声音技术的运用上就可见一斑。在美国，人物声音主要用来展现角色的特征和个性；而在欧洲，声音效果却被用来作为实验的〝素材〞。事实上，欧洲的动画家几乎将动画片中的画面和音效之间的配合发挥到了极致。这些有益的尝试与探索，极大地丰富了动画片的表现手法，对动画艺术的发展进步起到了推动作用。但是，动画片毕竟是一种需要高投入的文化产品，如果没有完整的产业链条支撑就很难作大作强。随着美国动画片的大举进入，欧洲本土的实验动画也逐渐的凋敝了下去。

 也许没有人会想到，第二次世界大战的爆发给了欧洲动画业一次〝中兴〞的机会。由于大战的影响，原本连成一片的世界卡通市场被分割成了若干块，客观上刺激了各国卡通业的独立发展。同时，因为许多国家的政府都把动画片作为战争动员和宣传的重要手段，所以开始出现了以政府投资来扶植本国动画业发展的局面。

 在战时的英国，新成立的〝哈拉斯和巴契乐〞动画公司受英国当局的委托，前后共制作了七十多部支援战争的动画宣传短片。这些短片在英国各地的影院和剧场里放映，对鼓舞英国人民的斗志起到了积极的作用。类似的〝战争动画〞，也曾经出现在美国、日本这样的参战国家里。战后，虽然不必再将动画片作为战争动员的手段，但是它依然是一种重要的宣传媒介，因而受到政府和民间机构的广泛重视。动画片作为一种媒介被运用在公众关系、企业广告、文化教育，乃至政治竞选等方方面面。这使得欧洲的动画业找到了新的支点。

 与西欧国家相比，东欧和前苏联的动画业稍显滞后，但却有着属于自己的风格和体系。亚历山大-巴斯克金、布拉姆帕格姊妹等都是前苏联动画界的杰出代表。其中，布拉姆帕格姊妹在1925年完成《中国烽火》（Chinese on Fire），更是为中国观众所熟知。虽然有的西方评论家认为俄国的动画片过于刻板，但是从总体上看，前苏联的动画家还是从本国的丰富文化遗产中发掘了大量优秀的素材，拍摄出了不少优秀的动画作品。

 让我们再回到美国。在〝黄金时代〞末期出现的多元化的风格被新一代的美国漫画家所继承，从而产生了许多优秀的漫画作品。

  1950年10月2日，美国著名漫画家查尔斯-舒尔茨（Charles Schulz）开始发表他的《花生》系列漫画（PEANUTS）。在那以后的五十年里，花生系列取得了空前的成功，先后被翻译成21种语言，在75个国家的2600余家报纸上刊登过。漫画的主角小狗〝史努比〞更是成为了号称拥有〝全球三亿五千万忠实读者〞的超级漫画明星。《花生》的出现标志着美国漫画业中新势力的崛起。类似的成功范例还包括吉姆-戴维斯和他的《加菲猫》系列。

 随着时间的推移，〝魏斯曼事件〞的影响逐渐淡化，超级英雄的故事也开始回到美国人的生活当中。1956年，在《秀场》杂志的第四期上，新一代〝闪电侠〞正是登场，从而标志着超级英雄的复归。自此之后，〝黄金时代〞的英雄们大都重出江湖，而新一代超级英雄更是不断涌现，这其中包括在1962年登场的〝蜘蛛人〞（SPIDER MAN）、1974年首次亮相的〝狼人〞（WOLERINE），以及在90年代初出现〝鬼面骑士〞（GHOST RIDER）等等。然而，新时代的超级英雄们似乎再也无法找回他们昔日的〝雄风〞了。毕竟，〝黄金时代〞已经成为历史，人们对于英雄的渴望也已经逐渐消逝了。

 这一时期，美国漫画业发展的另一个突出的表现就是商业盈利模式的巩固。美国漫画业在20世纪三、四十年代，就已经初步形成了〝漫画作者→出版商→分销网（含专卖店）→读者〞的商业运作模式。在战后，这个运作模式基本上没有什么大的变动，所不同的是，销售网络的规模和对读者群的覆盖面有了明显的扩大。而一些原本不大介入漫画销售的普通书店也开始涉足漫画的经销。

 如今，美国漫画业年的产值在23亿美元左右，虽然在绝对规模上还相当有限，但利润率相当可观。以美国最大的漫画出版商马威尔漫画出版社（Marvel）为例，该出版社在2000财政年度销售总额为2.31亿元，而净收入总额却高达8890万美元，占销售总额的38.9%。除了漫画期刊和图书出版以外，对于漫画周边产品的开发和知识产权的再开发（形象授权）也正在成为美国漫画业新的利润增长点。

 战后的美国动画界，迪斯尼公司的霸主地位仍然无人能敌。在整个五十年代，迪斯尼公司先后推出了《仙履奇缘》、《爱丽丝梦游仙境》、《小飞侠》等童话题材作品，不但延续了迪斯尼动画的口碑，而且取得了良好的票房业绩。不过，迪斯尼并没有为成功而陶醉，反而不断摸索创新。他们先后推出了全真人演出的《金银岛》，以现实社会作为动画场景的《小姐与流氓》，以动物角色为主角的《101忠狗》，还有改编自历史传奇的《石中剑》等等。在1964年，迪斯尼公司推出了真人表演与动画相结合的电影《欢乐满人间》，一举夺得13项奥斯卡年度最佳提名。这一切都表明，迪斯尼仍然是一家拥有良好创新能力的动画企业。

 在动画领域取得成功的同时，沃尔特又大胆的率领他的公司进军游乐场业。1955年，沃尔特在位于西海岸的洛杉矶，建立了世界上第一座主题公园——迪斯尼乐园。时至今日，分布在世界各地的迪斯尼乐园，已经成为了全世界热爱卡通的人们心中永远的乐土。

 就在像迪斯尼这样的老牌动画企业坚持传统动画理念的同时，以UPA为代表的小型动画企业则开始尝试〝有限动画〞的制作理念。他们不再追求类似迪斯尼动画片的那种高成本、大制作的华丽场景，转而采用低成本的制作策略，并通过故事情节的精心设计和音响效果来弥补视觉上的不足。事实证明，这种前卫的理念是有价值的。特别是在电视作为崭新的大众传媒兴起之后，原本在电影院中放映的动画片，和其他类型的影片一样受到了强大的冲击。而凭借着〝有限动画〞的理念，动画片开始逐渐适应电视节目的播出要求，进而成为各大电视台争夺收视率的王牌节目。随着电视动画片市场的扩大，几乎所有的动画公司都把主要精力转向了电视动画的制作，电视机里的动画世界也因此而变得绚丽多彩。

 到了二十世纪末，随着计算机多媒体技术的兴起，动画片的生产和制作面临新的革命。迪斯尼公司再次充当了新技术的弄潮儿，推出一系列大制作的动画巨片，包括取材于安徒生童话的《小美人鱼》（1990）、根据阿拉伯古典名著改编的《一千零一夜故事》（1992）、根据莎翁名著改编的《狮子王》（1994）、反映早期北美殖民生活的《风中奇缘》（1995），以及第一部全部采用数字技术制作的动画片《玩具总动员》等等。这些动画大片的推出不但体现了迪斯尼驾驭新技术的能力，而且还引发了〝剧场传统〞的回归，人们不再守着家里的电视机而是买票到影院里去观看动画片。这是电视取代电影成为最重要的动画媒体之后从没有过的现象。另一方面，以〝梦工厂〞为代表的业界新锐也在与迪斯尼的竞争中逐渐崛起，不断为世界各国的卡通迷们奉上精美的〝动画大餐〞。

 值得注意的是，近年来，一些非欧美国家的卡通业也正在获得长足的发展，其中最为典型的就是以中、韩、日三国为代表的东亚卡通业的崛起。在中国，〝中国学派〞的出现，把民族文化与动画艺术有机的结合在一起，创造出一部部美轮美奂的动画精品，在世界上为中国卡通界赢得了尊重与赞誉。韩国的卡通艺术基础相对薄弱，但是通过与日本卡通界的交流与合作，也逐渐建立起了自己的风格和影响。日本卡通业在经历着半个世纪的高速发展之后，不但确立了独具特色的卡通风格，而且还建立了完整的产业链条，成为日本文化娱乐产业的重要组成部分。随着〝全球化〞的逐步推进，日本卡通也正在以新的姿态走向全世界。

 对现代卡通艺术发展历程的简要回顾，有助于我们把握其中的规律性因素。从宏观上看，现代卡通艺术是一个系统的文化产业，它的发展与繁荣在很大程度上，取决于社会经济水平与大众文化消费观念。因此，如果一个国家的卡通事业希望取得快速发展——甚至是赶超世界先进水平，就必须首先从建立完善的产业链条开始做起，逐步实现卡通产业投入与产出的良性循环。

 卡通在中国的发展历史已经超过了一个世纪。但是，由于种种原因，中国卡通始终处于产业化的边缘，没有能够实现产业发展的良性循环。值得欣慰的是，近十年来，中国的卡通业也正在朝着〝产业化〞和〝良性循环〞的方向发展。这让所有关心中国卡通的人都看到了希望。然而，在这个发展过程中，中国卡通业也无可避免的要面对众多的新情况和新问题，而如何处理和应对这些新问题和新情况就成为了中国卡通业的当务之急。

在这方面，当代日本卡通（从二战后到二十世纪末）的崛起，为我们提供了鲜活而生动的成功范例。由于中日两国同属东方国家，在历史传统和文化环境上有着诸多相同或相似之处，而且中日两国的卡通事业都属于〝后发型〞，都面临着国外成熟卡通产品的激烈竞争。因此，〝日本模式〞对于当今中国卡通业的发展有着更大的参考和借鉴价值。

从艺术史的角度来看，日本自古以来都是中国和印度、尤其是中国的小学生，其艺术成就从未超越过它的老师们。即使在上个世纪，这个学生一朝得势成为侵略者，欺负到老师们的头上来的时候，它在文化艺术方面的成就却依然落后。在中国被欺凌的上个世纪，中国的文化艺术在西学东渐的形势下取得了长足的发展与进步，这是与其在经济政治上的滞后不同的。相应的，中国动漫横空出世，立马显现出独有的风格与辉煌，这也是日本这个小大人不能否认的事实。然而，就是从此时此刻起，日本动漫也悄然勃兴了，在中国传统绘画和近代动漫辉煌的影响下，在浮世绘等日本传统艺术滋养下，日本动漫以其独特的表现形式，以大和民族菊与刀精神为内核，逐步接过中国的权杖，成为东方动漫的标志。

在当今中国动漫发展道路上，横亘着两座大山，一座是以日本为代表的日本范式，一座是以美国为代表的西方国家的美国范式。这是不可否认的事实。如果因为对日本的仇恨而否定其在东方动漫发展史上的地位，我只能说这是意气用事；如果因为现今日本动漫同质化严重、低俗动漫泛滥而否定日本动漫的整体价值，我只能说这是目光短浅；如果瞧不起日本动漫而否定中国动漫对日本动漫的模仿与学习，我只能说有骨气，但用的不是地方。辉煌毕竟已经过去了，灿烂的中国文化已经无人值守，抱残守缺，不海纳百川、兼收并蓄，何以能复兴？从前，日本动漫落后于我们，但他们有着善于学习的传统，后来者居上；如今，中国动漫落后了，我们就老是抱着老祖宗的故事不放，还大言不惭地大呼幅员辽阔，耻于下问，试问这和清末的那些老腐朽老佛爷们有什么区别呢？

中国文化面临外域文化产生了两个极端，一个就是极端的自大，这些人老抓着祖宗的训诂不放，动辄就是某祖宗说，这是出于自保的惧怕心理，害怕接受新事物，害怕思维习惯被改变；另一种就是极端自卑，面对新事物，就好像什么都要比原有的好，从而动辄就是西洋，这同样出于自保的原始本能，他们害怕被抛弃，害怕自己得不到发展从而落伍。然而，看似矛盾的这两个极端，有时候可能就存在于一个人身上，进而存在于整个民族中。这种现象的出现在我看来是十分糟糕的，完全失去了大唐时期的大气与清末之后的民族责任感。

日本动漫有着一套独有的体系，有人笼统地称之为“动漫产业”，也有人极力主张在中国也搞动漫“产业化”，我并没有对这种“产业”和“产业化”做深入的调查和研究，但我对此还带着不少疑问？日本动漫的繁荣是否全因为这种“产业”体制的施行，这种产业是先于日本动画繁荣还是之后？中国动漫产业化的具体措施在哪里？教育也搞产业化，搞到后来，学费高了，学术垮了，动漫也搞所谓的产业化，结果会怎样？

抛开体制、产业不谈，仅就动漫本身而言，日本动漫的繁荣与受欢迎是毋庸置疑的事实，那么其动漫本身究竟有着怎样的魅力呢？认真而深入地结构日本动漫，我相信同样会对中国动漫的复兴有借鉴作用。比如，对于“火影模式”的分析，我看出了这这类动画的故事结构型、精神内核、意志表达、文化运用等等手法与结构，那么，中国动漫如果制作这种长篇，是否也可以借鉴这样的经验呢？这只是一个小例子，虽说目今日本动漫同质化严重，但是不可否认的是，日本动漫存在各种各样的范式，将这些范式再提炼比较，就会得出日本范式的整体内核，这对于研究日本动漫发展与繁荣，从而给我们以镜鉴是很有帮助的。它山之石，可以攻玉。中国动漫的复兴，少不了要模仿，但更重要的是回归与创造，进而得到突破，不如此，21世纪的中国范式难以成型，辉煌便只能成为历史了！

目前的日式风格，起源于手冢治虫的《宝岛》，其中确定了这种大眼睛的浪漫画风以及蒙太奇式的镜头效果

可以说，有了《宝岛》，才有了后来日式漫画，它是所有日式漫画的根本

现在的著名杂志《宝岛少年》，似乎就是根据这部作品而定名的。

美学者的历史研究显示，数百（甚至数千）年前，在南亚洞穴中发现古老的漫画；在佛教寺庙中，一份十二世纪遗留的日文故事图画滚动条、中国古代仰韶文化时期人民的陪葬用品与德国十六世纪宗教改革前大幅故事图，皆可见早期漫画文化足迹。漫画文化学家均认为漫画的起源，应该以石雕造型、洞窟壁画…等图腾为出发点。当在十七、十八世纪时，英国的一位讽刺画家荷加思就正式为「近代漫画」揭幕。

而对于中国漫画，有人说，漫画“是从外国传入中国的“，说得对，也有人说，“我国早就有漫画了”说得也对。这是因为，我国确实很早就有漫画。

清朝乾隆年间“扬州八怪”中的画家黄慎就画过《有钱能使鬼推磨》，那是18世纪的事。后来罗聘还画过《鬼趣图》，借鬼来讽刺人间不平等。15世纪的明朝皇上宪宗也画过《一团和气图》。那是世界上还没有“漫画”这么一个画种。过时候谁也不知道那几幅画就是漫画。

及至二十世纪初年，中国才从报纸刊物上见到外国（西方的）漫画，于是也就出现了我们的漫画家。可见那时漫画是从国外传进来的。

民国七年沈伯尘独立出版了「上海泼克」。他传播了西洋黑白的技法，也扩大了漫画的题材，是早期漫画史上重要的一页。一直到民国十二年「文学周报」发表了「子恺漫画」，引进日本漫画，以单纯轻松的线条描写家庭琐事和社会某一层面。其童稚纯真的感情，颇受青少年和知识分子的欢迎，也是中国采用「漫画」名称之始。

日本传统意义上的漫画指开玩笑的、逗乐的画。

现在的漫画除了传统的单幅或四格讽刺漫画外，主要指新型漫画。新型漫画在最初传入中国时叫做卡通画；在日本较为通用的称谓叫做comic；在美国常用cartoon。新型漫画的裨是以格为单位的画，并用画面去表达作者的思想感情和对社会人生的认识。它的风格打破以往的传统，采用了灵活多变的形式，像极了电影分镜头剧本。而新型漫画是直接以画面代替了镜头，把信息传达给读者。因此，新型漫画的最高境界称为电影感。

    日本把1945年前的漫画称为“史前”。明治以后是漫画称为“史前”。

明治以后是漫画向家庭、少年渗透的时期，也陆续有了专登漫画的杂志、报纸，但多为单幅、四格漫画。到了二战以后日本复兴的年代，漫画家从压抑的气氛中解放出来，漫画文化初露端倪。在这个时期出现了一位大师，他的出现是日本新型漫画崛起的标志。他就是被誉为“日本漫画之父”、“之神”的手冢冶虫。日本评论家如此评价他：“今天的日本漫画，是从第二次世界大战战败的焦土中如慧星般登场的漫画家手冢冶虫带领出发的，他那戏剧性的内容和视觉性的表现方法令众多读者欣喜若狂”。

日本漫画的崛起逐渐带动了东南亚地区漫画的发展。韩国、新加坡、马来西亚、台湾是其中的佼佼者。这些地区漫画已从最初的模仿到渐渐形成了自己的漫画风格。中国漫画的发展较为缓慢，还处于初级阶段，形成自己的风格党有待时日。

谈到中国动画，不能不提及万氏兄弟（万籁鸣、万古蟾、万超尘、万涤寰），他们可谓中国动画片的鼻祖。在极其艰难的条件下，他们于1926年摄制了中国第一部动画片《大闹画室》，揭开了中国动画史的一页。紧接着在1930年又摄制出《纸人捣乱记》。此后，万氏兄弟便不辞劳苦、坚持不懈地致力于中国动画的创作。在反对日本帝国主义和左翼文化运动的影响下，万氏兄弟拍摄了大量的抗日作品如《血钱》、《航空救国》、《民族痛史》、《新潮》，和提倡国货的《国货年》、《漏洞》，以及一些儿童寓言片《鼠与蛙》、《飞来祸》、《龟兔赛跑》等20余部黑白动画短片。直至20世纪40年代，万氏兄弟创作了中国动画第一部长片《铁扇公主》，发行到东南亚和日本地区，并受到人们的热烈欢迎，为中国动画走向国际作了很好的铺垫。太平洋战争爆发后，万氏兄弟被迫中断了动画创作。而以钱家骏为中心的当时的一批动画人也绘制了以抗日为内容的动画短片《农家乐》，随后又绘制两部短片。中国动画片在创作初期就时刻与时代气息紧密相联。同时最早一批的动画人也显示了他们百折不挠的精神，具有强烈的民族使命感。

　中国动画诞生于1926年。万氏三兄弟受美国麦克斯·弗莱休兄弟的影片《大力水手》、《勃比小姐》、《出自墨水瓶》的影响，拍摄出了中国第一部动画片《大闹画室》。此后，万氏兄弟于1927年摄制了《一封书信寄回来》，与1930年的《纸人捣乱记》和《大闹画室》并称中国最早的三部动画影片。1935年，万氏兄弟在明星影片公司的配合下制作出了中国第一部有声动画《骆驼献舞》。1941年，中国第一部动画长片，也是亚洲第一部动画长片《铁扇公主》摄制完成。据记载，其“在大上海、新光、沪光三家影院同时放映一个多月，盛况空前，这在当时故事片中也是少见的。”《铁扇公主》在东南亚地区上映也同样受到热烈欢迎和称赞。在日本，《铁扇公主》成为在日本上映的第一部动画长片，“其排场和有趣的故事令当时的动画界震惊，卖座也很好。”

　　可见，1946年以前的中国动画电影实际上处于商业动画的萌芽阶段，因战争连绵，使其发展受到很大阻碍。1946年10月1日，新中国第一个人民电影制片厂——东北电影制片厂成立，并建立了动画组，很快拍摄出了《皇帝梦》、《瓮中捉鳖》。1949年东北电影制片厂美术片组迁往上海，并入上海电影制片厂，以后便发展为上海美术电影制片厂，成为中国动画电影的主要生产基地。

　　1956年《骄傲的将军》（特伟导演）与《神笔》（靳夕导演）是动画电影“中国学派”的开山之作。《骄傲的将军》中人物造型对京剧脸谱的借鉴，人物动作写意化以及对中国戏曲音乐的吸纳，成为以后中国动画电影民族风格的探索方向。《神笔》也因在“美术、音乐、人物行为、语言的每一刻划皆考虑到是否符合我国的民族气派”的成功，而成为中国木偶动画的经典作品之一。此外，1958年我国的第一部剪纸动画《猪八戒吃西瓜》（万古蟾导演）试制成功。1959年的《渔童》、《济公斗蟋蟀》，1961年《金色的海螺》，都是剪纸动画的代表作品。万古蟾在其自述中曾谈到：“剪纸片令我满意的是它浓郁的民族风格。我国早期动画片是我和兄弟们在外国片的启发下研制的。许多年后，还或多或少地带有外国片的影响。剪纸片则不然。它根植于民间艺术，一开始就显示出鲜明的民族风格，使我国的美术电影艺术在民族化的道路上迈出了可喜的一步。”

　　1961年，上海美术电影制片厂生产出中国第一部折纸动画《聪明的鸭子》，为中国动画电影增加了一个新片种。同年，还成功摄制出水墨动画影片《小蝌蚪找妈妈》，成为世界动画电影史上的经典之作。1963年完成《牧笛》和《山水情》。水墨动画是中国民族动画最出色的代表，享誉全球。1983年将中国水墨画与剪纸动画集于一身的水墨剪纸动画《鹬蚌相争》也颇具特色。此外，动画短片中的《三个和尚》（1980），《九色鹿》（1981），《蝴蝶泉》（1983），《女娲补天》（1985）等影片，在民族风格的探索方面都有突出的尝试。

　　从1949年新中国成立到1999年，50年的时间里中国生产了五部动画长片：《大闹天宫》（1964）、《哪吒闹海》（1979）、《金猴降妖》（1985）、《天书奇谭》（1983）、《宝莲灯》（1999）。这五部动画长片都在民族风格的探索上有所努力。其中《宝莲灯》成为中国民族动画向商业动画的转型之作。

　　中国动画电影在民族风格的探索上取得了卓越的成就，屡获国际大奖。中国第一部水墨动画片《小蝌蚪找妈妈》，1961年在瑞士第41届洛迦诺国际电影节上震惊世界，获得短片银帆奖。该片在第三届萨格雷布国际动画电影节再获一等奖（1978）。另一部水墨动画片《牧笛》获丹麦第三届欧登塞国际童话电影节金质奖（1979）。中国第一部动画长片《大闹天宫》获伦敦第22届国际电影节最佳影片奖（1978），被英报刊称作“1978年在伦敦电影节上最轰动最活泼的电影”。此外，《三个和尚》获丹麦第四届欧登塞国际童话电影节银质奖。《鹬蚌相争》获第34届西柏林国际电影节短片银熊奖。迄今为止，中国动画电影共获得60多个国际奖项，几乎都是在世界艺术电影节角逐中赢得的殊荣。

　　动画电影作为电影的一种类型，本质上既是艺术的、商业的，也是意识形态的。在不同的政治、经济、文化语境中，因对其属性不同方面的强调，而呈现出不同的动画电影形态。世界两大动画电影王国——美国和日本，一直在市场经济体制中运作，形成了成熟的商业动画电影文化。欧洲与加拿大强调动画电影的艺术探索，形成了艺术动画电影中极具自由精神的一支，而中国与前苏联在计划经济体制中发展了非商业化的、具有浓郁民族风格的社会主义动画电影风格。但近一个世纪的世界动画电影史已经显示，动画电影呈现出商业动画与艺术动画的分野，以美国、日本为主体的商业动画席卷全球的现象并非偶然。一般而言，每个国家电影生产的主体都是通过商业渠道发行，主流动画电影的存在与发展需要依靠商业价值来体现，这是由动画电影艺术、商业、意识形态的属性所决定的。

　　新中国成立以来，中国动画一直停留在小规模的手工制作阶段，主要寻求动画电影艺术上（主要是美术风格）的突破，呈现艺术动画的发展模式。80年代以后，中国动画片开始商业转型。动画片的数量不断增加，但整体质量仍然不高，还没有出现能真正与世界一流动画片相抗衡的精品。同时，由于中国动画片一直被定位于“为儿童服务”，强调动画片是儿童的专利，是对儿童教育的工具。这种教育主义、工具论的观念极大地限制了中国动画片的发展，并且，造成动画理论一直未被纳入主流电影理论领域进行研究，而成为儿童文学研究的一部分。由于儿童文学研究者对电影媒介的陌生，对动画片的研究停留于分析其思想内容与教育意义。因此，迄今为止，中国动画片理论研究还是一片贫瘠的土地。

 

中日美动画粗略解析

 

美国：人性动画。动画动态制作夸张流畅，有浓郁的英雄主义色彩，适动画分级，适合每个年龄段的人观看。

日本：分级严格。日本动画任务造型精美，故事内容夸张，以娱乐为主。分级严格，每个年龄断都有能够欣赏的动画。

中国：数量取胜。中国动画发展缓慢。针对12岁及以下的儿童制作。内容以教育为主。

 

人物构造:日本采用相近色配色.美国相反色系,中国配色

线条:

日本线条流畅中带有毛笔的轮廓,注重,线条的勾勒和突出.

美国动画,目前3D的很多,对于线条的把握趋向简单和直接.

中国线条 较为普通，

色彩:

日本运用的最好,倾向柔和以及宁静的效果.多运用明亮的颜色,美国倾向视觉上的冲击,多运用对比,反差强烈的颜色.

中国色彩较为传统，多用互补色，体现了浓郁的中国特色

主题:

日本是多样化的主题,各种素材都有,面向各个对象的都有.在日本,有任何年龄的人都有适合的动画,漫画可以观看的言句.

美国,倾向自由,和平,和紧张气氛中的幽默.适合全球人观看.同一题材适合各种年龄的人观看.

中国主题，必须和政治相关,贴近生活,并且不能触动国家任何领域的任何隐私,不能有任何反动,扭曲历史等行为,必须要有教育意义

日本动画特点：创作体裁多样化，以科幻动画片、音乐动画片、青春动画片、成人动画片等系列形式开拓动画市场，对传统文化、外来文化进行再创作。关注人类社会现状和未来发展，想象力丰富大胆奇特，画面精致细腻，符合现代人的审美品位，利用电影的手法做动画，构图与镜头展现电影故事效果，形成自身特点。

美国动画特点：以剧情片为主，情节曲折、生动有趣，人物性格鲜明，音乐优美动听，特别注重细节刻画，做到了雅俗共赏，多以大团圆为结局，努力迎合广大观众的心理需求。

中国动画特点：主题多以教育为主，内容积极向上，情节简单易懂，适合12岁以下少儿观看